The bricked-up door of a city train in April 2015 caused commuters and passer-by in Hamburg to be astonished and animated; only later a published video revealed the authorship and the whole action became kind of a performance. Moses & Taps, who are known internationally for their conceptual approach regarding the original medium of graffiti, belong to the avantgarde of the scene. Hamburg based gallery owner and blogger Rudolf D. Klöckner assigns their works to a genre, which he strikingly calls “concept-vandalism”. This implicates on one hand a creative handling of the graffiti scene’s unwritten rules, on the other hand the works frequently raise issues on how society treats this form of art. To give an example the writing $ELLOUT consisting of about 70 Dollar bills presumably criticised the market, which takes possession of the freely available works on the street, whereas the Coca-Cola lettering covering a whole waggon questioned the defacement of the cities through omnipresent billboards while graffiti suffers disapproval.

Actions like these lead to a completely new value of brand recognition exceeding writing skills and choice of colour. Until Moses & Taps went as far as that, there has been quite a journey ahead of them. Independently of each other they started doing graffiti in the early nineties; since 2007 they collaboratively work together. After having spread their names via tags, throw-ups and pieces throughout the world recognisable colours came up, which nowadays are part of the collective’s corporate identity: yellow and cyan blue. Subsequently, to proof their authorship they do not need to leave behind their pseudonyms, but only use their signature colours.

Looking at the series SPLASHcolours take over an autonomous role, but are not reduced to yellow and blue anymore. In any and all shades expressive colour clouds – Splashes – emerge from previously pricked spray cans and cover in the shortest of time huge surfaces. At least since that development it became clear, that the traditionally applied rules of the graffiti scene are invalidated. Moses & Taps managed to establish a brand, which is characterised by a creative approach regarding the commonly berated street art and an intrinsic critique of the authorities dealing with it.

After the complete dissolution of shape and outlines with the splash-works Moses & Taps have not lost sight of the classical forms of graffiti, which is proved by the series IMAGE OF GRAFFITIand SCRATCHITI. Among others they are part of the show Schöpferische Zerstörung (creational destruction) following the thought, that destroying something yet existing is the necessity for an act of creation. All exhibited series refer to deconstruction and rearrangement on a pictorial or material level. However, the translocation of their works from the street into the gallery space is not to be misunderstood as domestication of the former street art, but reflects the urge of expansion of graffiti, which simply adopts a new sphere of activity within the public space.



Die zugemauerte Tür einer S-Bahn im April 2015 versetzte Hamburger Pendler und Passanten in Erstaunen und Ermunterung; erst später deckte ein veröffentlichtes Video die Urheberschaft auf und verlieh der ganzen Aktion einen performativen Charakter. Moses & Taps, die für ihren konzeptionellen Umgang mit dem Ursprungsmedium Graffiti längst international bekannt sind, gehören zur Avantgarde der Szene. Der Hamburger Galerist und Blogger Rudolf D. Klöckner ordnet ihre Arbeiten einem Genre zu, das er treffend mit „Konzept-Vandalismus“ bezeichnet. Dahinter verbirgt sich ein spielerischer Umgang mit den ungeschriebenen Regeln der Graffiti Szene einerseits, andererseits werfen die Arbeiten immer wieder Fragen des gesellschaftlichen Umgangs mit dieser Kunstform auf. So kann der Schriftzug $ELLOUT, geformt aus rund 70 Dollarscheinen, als Kritik an den Markt verstanden werden, der sich die frei auf der Straße verfügbaren Werke aneignet; der Coca-Cola Schriftzug, der als Wholecar einen ganzen S-Bahn-Waggon bedeckte, stellt hingegen die Verunstaltung der Städte durch allgegenwärtige Werbebotschaften in Frage, während Graffiti von der Obrigkeit missbilligt wird.


Aktionen wie diese führen zu einem ganz neuen Wiedererkennungswert, der über Writing Skills und Farbwahl hinausgeht. Bis es so weit kam, mussten Moses & Taps allerdings einen längeren Weg zurücklegen. Unabhängig voneinander fanden die beiden bereits in den frühen 90er Jahren ihren Weg in die Graffiti Szene; seit 2007 arbeiten sie kollaborativ miteinander. Nachdem sie Ihre Namen durch Tags, Throw-Ups und Pieces in die Welt getragen hatten, kamen allmählich auch wiedererkennbare Farbwerte hinzu, die heute zur Corporate Identity des Kollektivs gehören: Gelb und Cyan Blau. Daraufhin war es dann nicht mehr unbedingt nötig ihre Pseudonyme zu hinterlassen, die Farben alleine genügten nunmehr, um auf ihre Autorenschaft zu verweisen.


Mit Blick auf die Serie SPLASH nimmt Farbe sogar eine autonome Rolle ein, wobei sich Moses & Taps hier nicht auf Gelb und Blau beschränken. In sämtlichen Farbschattierungen entstehen expressive Farbwolken, Splashes, die durch Aufstechen der Sprühdosen in kurzer Zeit große Flächen bedecken. Spätesten an diesem Punkt ist klar, dass die traditionell geltenden Regeln des Graffiti entkräftet sind. Moses & Taps haben es geschafft eine Marke zu etablieren, die sich durch kreativen Umgang mit den Medien der häufig gescholtenen Straßenkunst und immanenter Kritik am Umgang der Obrigkeit mit dieser auszeichnet.


Nach der völligen Auflösung der Formen und Konturen bei den Splash-Arbeiten haben Moses & Taps aber auch die klassischen Formen des Graffiti nicht aus den Augen verloren, wovon die Serien IMAGE OF GRAFFITI und SCRATCHITI zeugen. Diese sind unter anderem Teil der Ausstellung Schöpferische Zerstörung, die dem Gedanken folgt, dass für den Schöpfungsakt zunächst etwas Vorhandenes zerstört werden muss. Sämtliche gezeigten Serien spielen auf bildlicher oder materieller Ebene mit Dekonstruktion und Neuarrangement. Die Verlagerung ihrer Arbeiten von der Straße in den Galerieraum ist allerdings nicht als Domestizierung der ursprünglichen Straßenkunst zu verstehen, sondern spiegelt den expansiven Drang des Graffiti wieder, der sich lediglich eine weitere Aktionsfläche im öffentlichen Raum aneignet.


Text von Galerie Droste